VA • Free Jazz Classics

 

 

 

John Coltrane, Charles Mingus, Charlie Parker, Ornette Coleman, Clifford Brown, Art Blakey, Charles Lloyd, Modern Jazz Quartet, Joshua Redman, Herbie Mann, Freddie Hubbard, Jaco Pastorius, Ahmad Jamal …

 

Ornette Coleman • Town Hall, 1962

 

Review by Scott Yanow
Ornette Coleman's decision to temporarily retire from music (this ESP disc was his only recording from a four-year period) was unfortunate. His alto playing was getting stronger, and on evidence of this album, he had plenty of original ideas that should have been documented. For this Town Hall concert, Coleman debuts with his new trio (a unit that would return in 1965) featuring the remarkable bassist David Izenson and drummer Charles Moffett. Together they perform "Doughnut," "Sadness," and an extensive 23-and-a-half minute version of "The Ark." In addition, a string quartet performs Coleman s' "Dedication to Poets and Writers." Although Ornette's string writing (which leaves no room for improvising) is pretty well outside of jazz, his playing on the other tracks holds one's interest throughout.
https://www.allmusic.com/album/town-hall-1962-mw0000097225

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Reseña de Scott Yanow
La decisión de Ornette Coleman de retirarse temporalmente de la música (este disco de ESP fue su única grabación de un período de cuatro años) fue desafortunada. Su forma de tocar el contralto era cada vez más fuerte, y en la evidencia de este álbum, tenía muchas ideas originales que deberían haber sido documentadas. Para este concierto en el Ayuntamiento, Coleman debuta con su nuevo trío (una unidad que regresaría en 1965) con el notable bajista David Izenson y el baterista Charles Moffett. Juntos interpretan "Donut", "Sadness" y una extensa versión de 23 minutos y medio de "The Ark". Además, un cuarteto de cuerda interpreta la dedicatoria de Coleman a Poetas y Escritores."Aunque la composición de cuerdas de Ornette (que no deja espacio para la improvisación) está bastante bien fuera del jazz, su interpretación en las otras pistas mantiene el interés de uno en todo momento.
https://www.allmusic.com/album/town-hall-1962-mw0000097225

Ornette Coleman • Tomorrow Is the Question!

 

 

www.ornettecoleman.com ...

John Lewis • Jazz Abstractions

 

Review
by Scott Yanow
Although John Lewis is listed as the leader (this album's alternate title is "John Lewis Presents Contemporary Music"), the pianist does not actually appear on this record and only contributed one piece ("Django"). On what is very much a Gunther Schuller project, Schuller composed "Abstraction" and was responsible for the adventurous three-part "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" and the four-part "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)"; Jim Hall contributed "Piece for Guitar & Strings." One of the most successful third stream efforts, this LP combines avant-garde jazz with aspects of classical music. Among the more notable stars, altoist Ornette Coleman is on "Abstraction" and "Criss Cross" (both of which have been reissued in his Rhino CD box) and multi-instrumentalist Eric Dolphy is on both of the "Variants." Other musicians in the eclectic cast include guitarist Hall, bassist Scott LaFaro, pianist Bill Evans, and several classical string players. This is very interesting music.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

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Reseña
por Scott Yanow
Aunque John Lewis figura como líder (el título alternativo de este álbum es "John Lewis Presents Contemporary Music"), el pianista no aparece realmente en este disco y sólo contribuyó con una pieza ("Django"). En lo que es en gran medida un proyecto de Gunther Schuller, Schuller compuso "Abstraction" y fue responsable de las aventureras "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" en tres partes y "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)" en cuatro partes; Jim Hall contribuyó con "Piece for Guitar & Strings". Este LP, uno de los más exitosos de la tercera corriente, combina el jazz de vanguardia con aspectos de la música clásica. Entre las estrellas más notables, el contralto Ornette Coleman está en "Abstraction" y "Criss Cross" (ambas reeditadas en su caja Rhino CD) y el multiinstrumentista Eric Dolphy está en las dos "Variants". Otros músicos del ecléctico elenco son el guitarrista Hall, el bajista Scott LaFaro, el pianista Bill Evans y varios instrumentistas clásicos de cuerda. Se trata de música muy interesante.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

VA • Free Jazz Classics

 

 

 

John Coltrane, Charles Mingus, Charlie Parker, Ornette Coleman, Clifford Brown, Art Blakey, Charles Lloyd, Modern Jazz Quartet, Joshua Redman, Herbie Mann, Freddie Hubbard, Jaco Pastorius, Ahmad Jamal …

 

VA • 70 Sax Classic Jazz - CD#2

 

VA • 70 Sax Classic Jazz - CD#5

 

Four Jazz Lives

 

This new and retitled edition of A. B. Spellman's long-out-of-print Four Lives in the Bebop Business brings a classic work on jazz back to life, and shines a light on four musicians who've finally gotten their due.

In 1966, at the height of the avant-garde and the year of the first edition, the subjects of Spellman's interviews for the book—Cecil Taylor, Ornette Coleman, Herbie Nichols, and Jackie McLean—were considered too subtle, complex, or difficult, certainly far from the comfortable melodies of more mainstream artists. Nearly forty years later, in the new edition, Spellman notes the capriciousness of the jazz industry and writes of darker cultural currents, "the most sinister of which is the gross indifference with which America receives those aspects of Afro-American culture that are not 'entertaining.'"

Now that the world has caught up to the talents of Taylor, Coleman, Nichols, and McLean, Four Jazz Lives not only celebrates their musical genius but reminds us again of the permanent place they occupy in the pantheon of jazz greats.

A. B. Spellman is a well-known author, poet, critic, and instructor. He has published numerous books and articles on the arts, including Art Tatum: A Critical Biography and The Beautiful Days.

Praise / Awards

• "Remains the best introduction to the worlds of Cecil Taylor, Ornette Coleman, Herbie Nichols, and Jackie McLean."
  —Ben Ratliff

• "Four black jazzmen speak at considerable length for themself, with connective passages supplied with persistent relevancy by a poet, historian, and critic."
  —Nat Hentoff

• "An essential book in the jazz canon. . . . [T]he University of Michigan Press has given it a rebirth under the title Four Jazz Lives."
  —Nat Hentoff, JazzTimes

• "An engrossing, impressionistic history of contemporary jazz."
  —Nation

• "[Spellman] views these men with a perceptive and understanding eye."
  —New York Times

   

Paul Bley • A Free Spirit

 

Biography by arwulf arwulf
Pianist Paul Bley took the styles and techniques associated with Oscar Peterson, Wynton Kelly, and Bill Evans to new levels of creative experimentation, becoming an indispensable force in modern music by combining the best elements in bop and early modern jazz with extended free improvisation and procedural dynamics often found in 20th-century chamber music. This approach places him in league with such diverse artists as Red Garland, Mal Waldron, Jaki Byard, Andrew Hill, Sun Ra, and Marilyn Crispell. Even a cursory overview of Bley's life and work can be pleasantly overwhelming, for he is among the most heavily recorded of all jazz pianists and his story is inextricably intertwined with the evolution of modern jazz during the second half of the 20th century. His three dates with Jimmy Giuffre's trio, most notably 1961's Free Fall, were landmark studies in vanguard modalism. With Barrage from 1965 and Mr. Joy from 1968, the pianist became familiar to many American jazz fans. In the early '70s, Bley issued the piano solo offering Open, To Love -- it remains his most prophetic and lyrical solo offering, laying out the juxtapositions for pointillism and space that would mark his career. He also resumed working with Giuffre during the late part of the decade and into the early '80s. Bley was prolific in the 1990s as a leader and as a collaborator. He took part in several historic dates, including Annette with Franz Koglmann and Gary Peacock, Memoirs with Charlie Haden and Motian, a pair of ECM trio dates with Barre Phillips and Evan Parker (Time Will Tell and Sankt Gerold Variations), and Not Two, Not One with Peacock and Motian. Bley began the 21st century as active as he had left the 20th, working as a collaborator with Kenny Millions, Mario Pavone, and a young Jakob Bro. The final two recordings credited to Bley as a leader were solo offerings: the studio album About Time, in 2007, and Play Blue (Oslo Concert), recorded in 2008 but unissued until 2014.

Hyman Paul Bley was born in Montreal, Canada, on November 10, 1932. A violin prodigy at five, he began playing piano at eight and studied at the McGill Conservatorium, earning his diploma at age 11. Before long, Hy "Buzzy" Bley was sitting in with jazz bands and had formed his own group. Already a skilled pianist, he landed a steady gig at the Alberta Lounge soon after Oscar Peterson left to begin working for Norman Granz in 1949. The following year, Bley continued his musical education at the Juilliard School in New York while gigging in the clubs with trumpeter Roy Eldridge, trombonist Bill Harris, and saxophonists Ben Webster, Sonny Rollins, and Charlie Parker. While enrolled at Juilliard, he played in a group with trumpeter Donald Byrd, saxophonist Jackie McLean, bassist Doug Watkins, and drummer Art Taylor. He also hung out at Lennie Tristano's residential studio, absorbing ideas. During the 1980s, Bley was restless: he recorded for acclaimed dates for Soul Note, SteepleChase (including a duo-led set with Chet Baker entitled Diane), ECM, and Owl.

The 1990s marked Bley's most prolific period as a recording artist. He toured constantly, recorded often, and took part in several historic recordings including Annette, with Franz Koglmann and Peacock, and Time Will Tell, with Barre Phillips and Evan Parker. The latter grouping toured extensively and in 2000 issued Sankt Gerold Variations on ECM. While he didn't issue nearly as much (comparatively, at least) under his own name for the remainder of his life, Bley was an active collaborator and sideman, working with everyone from Mario Pavone and Andreas Willers to Benjamin Koppel and Jakob Bro, while his discography as both leader and sideman saw many titles reissued.

Paul Bley's earliest known recordings survive as soundtracks from Canadian television; the first was in 1950 with tenor saxophonist Brew Moore and the second in February 1953 with Charlie Parker, special invited guest of the Montreal Jazz Workshop, an artist-run organization Bley helped to establish. His first studio recording date took place in November 1953 with bassist Charles Mingus and drummer Art Blakey. The young pianist's constant interaction with archetypal and influential musicians was phenomenal; he also sat in with trumpeter Chet Baker and saxophonist Lester Young. In 1954 he led three different recording sessions with bassists Peter Ind and Percy Heath, and drummer Alan Levitt. At this stage of his career, Paul Bley was an inspired, extremely adept bop pianist whose first decisively innovative period was just about to commence.

The plot thickened when Bley moved to California in 1957 and began holding down a steady engagement at the Hillcrest Club in Los Angeles, where he was recorded in 1958 with saxophonist Ornette Coleman, trumpeter Don Cherry, bassist Charlie Haden, and drummer Billy Higgins. He also performed with Canadian trumpeter Herb Spanier and recorded an album with vibraphonist Dave Pike, featuring liner notes and one composition by Karen Borg, a brilliant musician who married the pianist in 1957 and changed her name to Carla Bley. In 1959, the Bleys moved to New York City, where they continued to interact with musicians who were operating on the cutting edge of modern jazz, including multi-instrumentalist Roland Kirk, saxophonist and composer Oliver Nelson; composer and bandleader George Russell; composer, bassist, and bandleader Charles Mingus; trumpeter and bandleader Don Ellis; bassists Gary Peacock and Steve Swallow; drummer Pete La Roca; and multi-reedman Jimmy Giuffre. In 1961, Paul Bley made his first visit to Europe.

In 1963, Bley toured Japan with Sonny Rollins and participated in the tenor saxophonist's historic jousting session with Coleman Hawkins. The following year, Paul and Carla Bley accepted trumpeter Bill Dixon's invitation to join the Jazz Composer's Guild. This brought them into direct contact with Austrian-American composer and trumpeter Michael Mantler; trombonists Bennie Green and Roswell Rudd; saxophonists Archie Shepp and John Tchicai; and pianist Cecil Taylor. Bley, who also worked with saxophonist Albert Ayler, taped a session with tenor saxophonist John Gilmore, bassist Gary Peacock, and drummer Paul Motian, and then began recording for the independent ESP-Disk label.

Barrage featured a quintet with bassist Eddie Gomez, drummer Milford Graves, and two musicians who, like Gilmore, were closely affiliated with Sun Ra: trumpeter Dewey Johnson and altoist Marshall Allen. All of the pieces were composed by Carla Bley. Recorded in 1965 and released as Closer, the first of many albums involving drummer Barry Altschul featured works by Carla Bley, Ornette Coleman, and Gary Peacock's wife, Annette Peacock. Several trio projects materialized in Scandinavia during the years 1965-1966; from this point on, Bley would spend increasing amounts of time performing and recording in Europe.

Soon after he was divorced from Carla Bley in 1967, Paul Bley married composer and vocalist Annette Peacock. As was the case with Carla, the influence of this woman upon Paul Bley was profound and lasting, as he combined his own continuously evolving improvisational methodology with her intriguing tonal formations. She sometimes sang with Bley's groups as he began to experiment with electronic instrumentation including ARP and Moog synthesizers. Recorded in December 1970 and January 1971, an album called the Paul Bley Synthesizer Show spotlighted the futuristic instrument backed by multiple players including drummers Bobby Moses and Han Bennink. In 1972, the Bley/Annette Peacock partnership was dissolved.

Two years later, Bley and his new companion, video artist Carol Goss, founded the Improvising Artists record label. Soon they set precedents for the gradually emerging format of music videos. During two back-to-back sessions in 1974, Bley introduced to the scene a pair of promising young musicians: guitarist Pat Metheny and bassist Jaco Pastorius. Bley and Goss were married in 1980 and soon moved the Improvising Artists operation out of New York City to Cherry Valley in central New York State. The '80s saw Bley reaffirming his links with the Canadian music scene while engaging in recording projects with saxophonist John Surman; guitarists John Abercrombie, John Scofield, and Bill Frisell; bassists Jesper Lundgaard, Red Mitchell, Ron McClure, and Bob Cranshaw; and drummers George Cross McDonald, Aage Tanggaard, Keith Copeland, and Billy Hart.

Throughout the '90s, Paul Bley's creative activities became ever more diverse and international in scope. This healthy tendency was epitomized by a hat ART album bearing the title 12 (+6) In a Row, recorded in Boswil, Switzerland, during May 1990 with flügelhornist Franz Koglmann and clarinetist/saxophonist Hans Koch. Other collaborations from this period involved vibraphonist Gary Burton, bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen, and vocalist Tiziana Ghiglioni. In 1993, Bley, now a faculty member of the New England Conservatory of Music, released an album of piano solos with overdubbed synthesizers called Synth Thesis. His seemingly inexhaustible appetite for creative interaction with modern improvisers led him to record with trumpeter Kenny Wheeler; saxophonists Lee Konitz, Evan Parker, and Ralph Simon; guitarist Sonny Greenwich; bassists Jay Anderson, Dave Young, and Barre Phillips; drummers Stich Wynston, Adam Nussbaum, and Bruce Ditmas; pianists Satoko Fuji, Stéphan Oliva, and Hans Ludemann; and violinist Jean-Luc Ponty, as well as poet and vocalist Paul Haines. In 1997, Bley was heard with an ensemble led by bassist and composer Maarten Altena.

During the first decade of the 21st century, Bley recorded with saxophonists Keshavan Maslak, François Carrier, and Yuri Honing; guitarist Andreas Willers; bassist Mario Pavone; and vocalist Jeannette Lambert. He also released several solo albums, including 2004's Nothing to Declare, 2008's About Time, and 2014's Play Blue: Oslo Concert, which documented his 2008 performance at the Oslo Jazz Festival. Bley was also named a member of the Order of Canada in 2008, in honor of his contributions to jazz.

Bley died of natural causes on January 3, 2016, at his Florida home. He was 83 years old. In 2019, ECM issued the archival When Will the Blues Leave, a trio concert with Peacock and Motian captured in Switzerland in 1999. https://www.allmusic.com/artist/paul-bley-mn0000745617#biography

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Biografía de arwulf arwulf
El pianista Paul Bley llevó los estilos y técnicas asociados con Oscar Peterson, Wynton Kelly y Bill Evans a nuevos niveles de experimentación creativa, convirtiéndose en una fuerza indispensable en la música moderna al combinar los mejores elementos del bop y el jazz moderno temprano con una improvisación libre extendida y dinámicas de procedimiento que a menudo se encuentran en la música de cámara del siglo XX. Este enfoque lo coloca en alianza con artistas tan diversos como Red Garland, Mal Waldron, Jaki Byard, Andrew Hill, Sun Ra y Marilyn Crispell. Incluso una visión superficial de la vida y obra de Bley puede resultar agradablemente abrumadora, ya que se encuentra entre los pianistas de jazz más grabados y su historia está inextricablemente entrelazada con la evolución del jazz moderno durante la segunda mitad del siglo XX. Sus tres citas con el trío de Jimmy Giuffre, sobre todo Free Fall de 1961, fueron estudios emblemáticos en el modalismo de vanguardia. Con Barrage de 1965 y Mr. Joy de 1968, el pianista se hizo familiar para muchos fanáticos del jazz estadounidense. A principios de los 70, Bley lanzó la oferta de piano solo Open, To Love remains sigue siendo su oferta solista más profética y lírica, presentando las yuxtaposiciones de puntillismo y espacio que marcarían su carrera. También reanudó su trabajo con Giuffre a fines de la década y principios de los 80. Bley fue prolífico en la década de 1990 como líder y colaborador. Participó en varias fechas históricas, incluidas Annette con Franz Koglmann y Gary Peacock, Memoirs con Charlie Haden y Motian, un par de fechas del trío ECM con Barre Phillips y Evan Parker (Time Will Tell y Variaciones de Sankt Gerold), y Not Two, Not One con Peacock y Motian. Bley comenzó el siglo XXI tan activo como había dejado el XX, trabajando como colaborador de Kenny Millions, Mario Pavone y un joven Jakob Bro. Las dos últimas grabaciones acreditadas a Bley como líder fueron ofertas en solitario: el álbum de estudio About Time, en 2007, y Play Blue (Concierto de Oslo), grabado en 2008 pero sin publicar hasta 2014.

Hyman Paul Bley nació en Montreal, Canadá, el 10 de noviembre de 1932. Prodigio del violín a los cinco años, comenzó a tocar el piano a los ocho y estudió en el Conservatorio McGill, obteniendo su diploma a los 11 años. En poco tiempo, Hy "Buzzy" Bley estaba sentado con bandas de jazz y había formado su propio grupo. Ya era un pianista habilidoso, consiguió un concierto estable en el Alberta Lounge poco después de que Oscar Peterson se fuera para comenzar a trabajar para Norman Granz en 1949. Al año siguiente, Bley continuó su educación musical en la Juilliard School de Nueva York mientras tocaba en clubes con el trompetista Roy Eldridge, el trombonista Bill Harris y los saxofonistas Ben Webster, Sonny Rollins y Charlie Parker. Mientras estaba inscrito en Juilliard, tocó en un grupo con el trompetista Donald Byrd, la saxofonista Jackie McLean, el bajista Doug Watkins y el baterista Art Taylor. También pasaba el rato en el estudio residencial de Lennie Tristano, absorbiendo ideas. Durante la década de 1980, Bley estaba inquieto: grabó para aclamadas fechas de Soul Note, SteepleChase (incluido un set dirigido por un dúo con Chet Baker titulado Diane), ECM y Owl.

La década de 1990 marcó el período más prolífico de Bley como artista discográfico. Realizó giras constantemente, grabó a menudo y participó en varias grabaciones históricas, incluidas Annette, con Franz Koglmann y Peacock, y Time Will Tell, con Barre Phillips y Evan Parker. Esta última agrupación realizó una extensa gira y en 2000 publicó Variaciones de Sankt Gerold sobre ECM. Si bien no emitió casi tanto (comparativamente, al menos) bajo su propio nombre durante el resto de su vida, Bley fue un colaborador activo y acompañante, trabajando con todos, desde Mario Pavone y Andreas Willers hasta Benjamin Koppel y Jakob Bro, mientras que su discografía como líder y acompañante vio reeditados muchos títulos.

Las primeras grabaciones conocidas de Paul Bley sobreviven como bandas sonoras de la televisión canadiense; la primera fue en 1950 con el saxofonista tenor Brew Moore y la segunda en febrero de 1953 con Charlie Parker, invitado especial del Montreal Jazz Workshop, una organización dirigida por artistas que Bley ayudó a establecer. Su primera fecha de grabación en estudio tuvo lugar en noviembre de 1953 con el bajista Charles Mingus y el baterista Art Blakey. La interacción constante del joven pianista con músicos arquetípicos e influyentes fue fenomenal; también se sentó con el trompetista Chet Baker y el saxofonista Lester Young. En 1954 dirigió tres sesiones de grabación diferentes con los bajistas Peter Ind y Percy Heath, y el baterista Alan Levitt. En esta etapa de su carrera, Paul Bley era un pianista inspirado y extremadamente hábil de la bop cuyo primer período decisivamente innovador estaba a punto de comenzar.

La trama se complicó cuando Bley se mudó a California en 1957 y comenzó a mantener un compromiso estable en el Hillcrest Club de Los Ángeles, donde grabó en 1958 con el saxofonista Ornette Coleman, el trompetista Don Cherry, el bajista Charlie Haden y el baterista Billy Higgins. También actuó con el trompetista canadiense Herb Spanier y grabó un álbum con el vibrafonista Dave Pike, con notas y una composición de Karen Borg, una brillante músico que se casó con la pianista en 1957 y cambió su nombre a Carla Bley. En 1959, los Bley se mudaron a la ciudad de Nueva York, donde continuaron interactuando con músicos que operaban a la vanguardia del jazz moderno, incluido el multiinstrumentista Roland Kirk, el saxofonista y compositor Oliver Nelson; el compositor y director de orquesta George Russell; el compositor, bajista y director de orquesta Charles Mingus; el trompetista y director de orquesta Don Ellis; los bajistas Gary Peacock y Steve Swallow; el baterista Pete La Roca; y Jimmy Giuffre. En 1961, Paul Bley hizo su primera visita a Europa.

En 1963, Bley realizó una gira por Japón con Sonny Rollins y participó en la histórica sesión de justas del saxofonista tenor con Coleman Hawkins. Al año siguiente, Paul y Carla Bley aceptaron la invitación del trompetista Bill Dixon para unirse al Gremio de Compositores de Jazz. Esto los puso en contacto directo con el compositor y trompetista austríaco-estadounidense Michael Mantler; los trombonistas Bennie Green y Roswell Rudd; los saxofonistas Archie Shepp y John Tchicai; y el pianista Cecil Taylor. Bley, quien también trabajó con el saxofonista Albert Ayler, grabó una sesión con el saxofonista tenor John Gilmore, el bajista Gary Peacock y el baterista Paul Motian, y luego comenzó a grabar para el sello independiente ESP-Disk.

Barrage presentó un quinteto con el bajista Eddie Gomez, el baterista Milford Graves y dos músicos que, como Gilmore, estaban estrechamente afiliados a Sun Ra: el trompetista Dewey Johnson y el altoista Marshall Allen. Todas las piezas fueron compuestas por Carla Bley. Grabado en 1965 y lanzado como Closer, el primero de muchos álbumes con el baterista Barry Altschul presentó obras de Carla Bley, Ornette Coleman y la esposa de Gary Peacock, Annette Peacock. Varios proyectos trío se materializaron en Escandinavia durante los años 1965-1966; a partir de este momento, Bley pasaría cada vez más tiempo actuando y grabando en Europa.

Poco después de divorciarse de Carla Bley en 1967, Paul Bley se casó con la compositora y vocalista Annette Peacock. Como fue el caso de Carla, la influencia de esta mujer sobre Paul Bley fue profunda y duradera, ya que combinó su propia metodología de improvisación en continua evolución con sus intrigantes formaciones tonales. A veces cantaba con los grupos de Bley cuando él comenzó a experimentar con instrumentación electrónica, incluidos los sintetizadores ARP y Moog. Grabado en diciembre de 1970 y enero de 1971, un álbum llamado The Paul Bley Synthesizer Show destacó el instrumento futurista respaldado por varios músicos, incluidos los bateristas Bobby Moses y Han Bennink. En 1972, se disolvió la sociedad Bley/Annette Peacock.

Dos años más tarde, Bley y su nueva compañera, la videoartista Carol Goss, fundaron el sello discográfico Improvising Artists. Pronto sentaron precedentes para el formato gradualmente emergente de videos musicales. Durante dos sesiones consecutivas en 1974, Bley presentó a la escena a un par de jóvenes músicos prometedores: el guitarrista Pat Metheny y el bajista Jaco Pastorius. Bley y Goss se casaron en 1980 y pronto trasladaron la operación de Improvising Artists fuera de la ciudad de Nueva York a Cherry Valley, en el centro del estado de Nueva York. Los años 80 vieron a Bley reafirmar sus vínculos con la escena musical canadiense mientras participaba en proyectos de grabación con el saxofonista John Surman; los guitarristas John Abercrombie, John Scofield y Bill Frisell; los bajistas Jesper Lundgaard, Red Mitchell, Ron McClure y Bob Cranshaw; y los bateristas George Cross McDonald, Aage Tanggaard, Keith Copeland y Billy Hart.

A lo largo de los años 90, las actividades creativas de Paul Bley se volvieron cada vez más diversas y de alcance internacional. Esta saludable tendencia fue personificada por un álbum de hat ART con el título 12 (+6) Seguidos, grabado en Boswil, Suiza, durante mayo de 1990 con el flügelhornista Franz Koglmann y el clarinetista/saxofonista Hans Koch. Otras colaboraciones de este período incluyeron al vibrafonista Gary Burton, el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen y la vocalista Tiziana Ghiglioni. En 1993, Bley, ahora miembro de la facultad del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, lanzó un álbum de solos de piano con sintetizadores sobregrabados llamado Synth Thesis. Su apetito aparentemente inagotable por la interacción creativa con improvisadores modernos lo llevó a grabar con el trompetista Kenny Wheeler; los saxofonistas Lee Konitz, Evan Parker y Ralph Simon; el guitarrista Sonny Greenwich; los bajistas Jay Anderson, Dave Young y Barre Phillips; los bateristas Stich Wynston, Adam Nussbaum y Bruce Ditmas; los pianistas Satoko Fuji, Stéphan Oliva y Hans Ludemann; y el violinista Jean-Luc Ponty, así como el poeta y vocalista Paul Haines. En 1997, Bley se escuchó con un conjunto dirigido por el bajista y compositor Maarten Altena.

Durante la primera década del siglo XXI, Play grabó con los saxofonistas Keshavan Maslak, François Carrier y Yuri Honing; el guitarrista Andreas Willers; el bajista Mario Pavone; y la vocalista Jeannette Lambert. También lanzó varios álbumes en solitario, incluidos Nothing to Declare del 2004, About Time del 2008 y Play Blue: Oslo Concert del 2014, que documentó su actuación en el Festival de Jazz de Oslo en el 2008. Bley también fue nombrado miembro de la Orden de Canadá en 2008, en honor a sus contribuciones al jazz.

Bley murió de causas naturales el 3 de enero de 2016 en su casa de Florida. Tenía 83 años. En 2019, ECM publicó el archivo When Will the Blues Leave, un concierto en trío con Peacock y Motian capturado en Suiza en 1999. https://www.allmusic.com/artist/paul-bley-mn0000745617#biography

Ornette Coleman • This Is Our Music

 

 

Review
by Steve Huey  
With two landmark albums already under its belt, the Ornette Coleman Quartet spent nearly a year out of the studio before reconvening for This Is Our Music. This time, Billy Higgins is replaced on drums by Ed Blackwell, who has a similar knack for anticipating the ensemble's direction, and proves a more fiery presence on tracks like "Kaleidoscope" and "Folk Tale." The session is also notable for containing the only standard (or, for that matter, the only non-original) Coleman recorded during his tenure with Atlantic -- Gershwin's "Embraceable You," which is given a lyrical interpretation and even a rather old-time, sentimental intro (which may or may not be sarcastic, but really is pretty). In general, though, Coleman disapproved of giving up his own voice and viewed standards as concessions to popular taste; as the unapologetic title of the album makes clear, he wanted to be taken (or left) on his own terms. And that word "our" also makes clear just how important the concept of group improvisation was to Coleman's goals. Anyone can improvise whenever he feels like it, and the players share such empathy that each knows how to add to the feeling of the ensemble without undermining its egalitarian sense of give and take. Their stark, thin textures were highly distinctive, and both Coleman and Cherry chose instruments (respectively, an alto made of plastic rather than brass and a pocket trumpet or cornet instead of a standard trumpet) to accentuate that quality. It's all showcased to best effect here on the hard-swinging "Blues Connotation" and the haunting "Beauty Is a Rare Thing," though pretty much every composition has something to recommend it. All in all, This Is Our Music keeps one of the hottest creative streaks in jazz history going strong.
https://www.allmusic.com/album/this-is-our-music-mw0000529299

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Reseña
por Steve Huey  
Con dos álbumes de referencia ya en su haber, el Ornette Coleman Quartet pasó casi un año fuera del estudio antes de volver a reunirse para This Is Our Music. Esta vez, Billy Higgins es reemplazado en la batería por Ed Blackwell, que tiene una habilidad similar para anticipar la dirección del conjunto, y demuestra una presencia más ardiente en temas como "Kaleidoscope" y "Folk Tale". La sesión también es notable por contener el único estándar (o, para el caso, el único no-original) que Coleman grabó durante su permanencia con Atlantic -- "Embraceable You" de Gershwin, al que se le da una interpretación lírica e incluso una introducción sentimental bastante antigua (que puede o no ser sarcástica, pero realmente es bonita). En general, sin embargo, Coleman desaprobaba renunciar a su propia voz y veía los estándares como concesiones al gusto popular; como deja claro el título del álbum, que no pide disculpas, él quería que le tomaran (o le dejaran) en sus propios términos. Y esa palabra "nuestro" también deja claro lo importante que era el concepto de improvisación en grupo para los objetivos de Coleman. Cualquiera puede improvisar cuando le apetezca, y los músicos comparten tal empatía que cada uno sabe cómo contribuir al sentimiento del conjunto sin socavar su sentido igualitario de dar y recibir. Tanto Coleman como Cherry eligieron instrumentos (una contralto de plástico en lugar de metal y una trompeta de bolsillo o corneta en lugar de una trompeta estándar, respectivamente) para acentuar esa cualidad. Todo ello se pone de manifiesto en la dura "Blues Connotation" y en la inquietante "Beauty Is a Rare Thing", aunque casi todas las composiciones tienen algo que recomendar. En definitiva, This Is Our Music mantiene una de las mejores rachas creativas de la historia del jazz.
https://www.allmusic.com/album/this-is-our-music-mw0000529299

Ornette Coleman • Body Meta

 

Review
by Michael G. Nastos  
The establishment of Ornette Coleman's self-determining Artists House label and his electric double-trio Prime Time coincided with the release of Body Meta, which changed many of the business and musical contours of jazz in the mid- to late '70s. Coleman proved that jazz musicians could determine their own fate and market their music without a major-label contract. He also advanced the orientation of jazz away from swing rhythms and into a deeper blues driven by funk and angular electric guitars inspired by the precepts of Thelonious Monk. A music that turned out to be crazier than most while attempting to be more people-oriented resulted in controversy. It was an indisputable new music amalgam that Coleman could claim as his own, yet which sprang forth into the so-called M-Base music movement of New York City. Jamaaladeen Tacuma on electric bass guitar, Bern Nix and Charlie Ellerbe on electric guitars, and drummers Denardo Coleman and Ronald Shannon Jackson comprise the first Prime Time band heard here. They are loud, boisterous, imaginative, unfettered by conventional devices, and wail beyond compare with Coleman within relatively funky, straight beats. "Voice Poetry" sets the tone, a boogaloo funk with an unmistakable kinship to the churning Bo Diddley beat, with Coleman's obtuse alto sax between the guitarists' obtuse castings creating intense, passionate, and obsessed music. Where "Home Grown" uses the same wall-rattling sound within repeated lines, there are dense and bulky layers embedded deeply in the thick rhythms. Fans of Coleman will relate more to "Macho Woman," which spurs on a sound similar to his style from years past, as the brief melody gives way to solos. "Fou Amour" is a soulful, off-minor, bitter ballad, while "European Echoes" is a militaristic waltz -- hardly a traipse through flowers -- with various free sections. As every track is different, Coleman's vision has a diffuse focus, but it's clear that things have changed. Even his personal sound is more pronounced, unleashed from shackles, and more difficult to pin down.
https://www.allmusic.com/album/body-meta-mw0000075430

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Reseña
por Michael G. Nastos
La creación del sello autodeterminado Artists House de Ornette Coleman y su doble trío eléctrico Prime Time coincidió con el lanzamiento de Body Meta, que cambió muchos de los contornos comerciales y musicales del jazz a mediados y finales de los años 70. Coleman demostró que los músicos de jazz podían determinar su propio destino y comercializar su música sin un contrato con una gran discográfica. Coleman demostró que los músicos de jazz podían determinar su propio destino y comercializar su música sin un contrato con una gran discográfica. También hizo avanzar la orientación del jazz, alejándose de los ritmos swing y adentrándose en un blues más profundo impulsado por el funk y las angulosas guitarras eléctricas inspiradas en los preceptos de Thelonious Monk. Una música que resultó ser más alocada que la mayoría, al tiempo que intentaba orientarse más hacia la gente, dio lugar a controversias. Era una amalgama indiscutible de nueva música que Coleman podía reivindicar como propia, pero que surgió en el llamado movimiento musical M-Base de la ciudad de Nueva York. Jamaaladeen Tacuma al bajo eléctrico, Bern Nix y Charlie Ellerbe a las guitarras eléctricas, y los baterías Denardo Coleman y Ronald Shannon Jackson componen la primera banda Prime Time que se escucha aquí. Son ruidosos, bulliciosos, imaginativos, no se rigen por dispositivos convencionales, y gimen sin parangón con Coleman dentro de ritmos relativamente funky y directos. "Voice Poetry" marca el tono, un boogaloo funk con un parentesco inconfundible con el agitado ritmo de Bo Diddley, con el obtuso saxo alto de Coleman entre los obtusos fundidos de los guitarristas creando una música intensa, apasionada y obsesionada. Donde "Home Grown" utiliza el mismo sonido retumbante dentro de líneas repetidas, hay capas densas y voluminosas incrustadas profundamente en los gruesos ritmos. Los fans de Coleman se sentirán más identificados con "Macho Woman", que espolea un sonido similar a su estilo de años pasados, a medida que la breve melodía da paso a los solos. "Fou Amour" es una conmovedora balada amarga en off-minor, mientras que "European Echoes" es un vals militarista --apenas un paseo por las flores-- con varias secciones libres. Como cada pista es diferente, la visión de Coleman tiene un enfoque difuso, pero está claro que las cosas han cambiado. Incluso su sonido personal es más pronunciado, liberado de ataduras y más difícil de precisar.
https://www.allmusic.com/album/body-meta-mw0000075430

Pat Metheny • Song X

 

Review
by Brian Olewnick
Guitarist Pat Metheny had long expressed admiration for Ornette Coleman's music, had recorded his compositions, and had worked extensively with bassist Charlie Haden, so a collaboration was not totally unexpected, though who would have guessed that it would be on the Geffen label? Metheny's almost rock star status has worked against him in other partnerships from time to time (notably, his overbearing playing on his project with Derek Bailey, The Sign of 4), but here he happily sublimates his showier instincts and works as sympathetic co-leader, deferring to Coleman's experience and genius. The music itself bears strong similarities to that of Coleman's Prime Time ensembles wherein all players solo at once, bracketed by the themes of the piece. Metheny often manages to be a quite expressive second voice, racing along beside the master saxophonist, offering alternative strategies and never showboating. The tandem percussion team of Jack DeJohnette and Coleman's son Denardo are ferocious when need be, and Charlie Haden is his standard exemplary self. Metheny fans owe it to themselves to listen to some of his most exploratory and least "pastel" playing and, in fact, the album also contains some of Coleman's best work since the mid-'70s.
https://www.allmusic.com/album/song-x-mw0000188388

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Reseña
por Brian Olewnick  
El guitarrista Pat Metheny había expresado durante mucho tiempo su admiración por la música de Ornette Coleman, había grabado sus composiciones, y había trabajado extensamente con el bajista Charlie Haden, por lo que una colaboración no era totalmente inesperada, aunque ¿quién habría adivinado que sería en el sello Geffen? El estatus casi de estrella del rock de Metheny ha jugado en su contra en otras colaboraciones de vez en cuando (en particular, su prepotente forma de tocar en su proyecto con Derek Bailey, The Sign of 4), pero aquí sublima felizmente sus instintos más llamativos y trabaja como simpático colíder, cediendo ante la experiencia y el genio de Coleman. La música en sí tiene grandes similitudes con la de los conjuntos Prime Time de Coleman, en los que todos los músicos tocan en solitario a la vez, entre corchetes por los temas de la pieza. Metheny se las arregla a menudo para ser una segunda voz bastante expresiva, corriendo junto al maestro saxofonista, ofreciendo estrategias alternativas y sin alardes. El tándem de percusión formado por Jack DeJohnette y Denardo, el hijo de Coleman, es feroz cuando es necesario, y Charlie Haden es ejemplar. Los fans de Metheny se deben a sí mismos escuchar algunas de sus interpretaciones más exploratorias y menos "pastel" y, de hecho, el álbum también contiene algunos de los mejores trabajos de Coleman desde mediados de los 70.
https://www.allmusic.com/album/song-x-mw0000188388


www.patmetheny.com ...

 

Ornette Coleman Quintet • Complete Live At The Hillcrest Club

 

Review
by Michael G. Nastos
Ornette Coleman's epic 1959 LPs The Shape of Jazz to Come and Change of the Century were pivot points in modern post-bop jazz and early creative music. This recording is a prelude to those epics, a live two-night engagement in October of 1958 at the Hillcrest Club in Los Angeles.
The Coleman quintet, with trumpeter Don Cherry, bassist Charlie Haden, and drummer Billy Higgins, plus a then-young pianist Paul Bley, sets up that new shape of jazz. This eight-selection set features three of Coleman's signature originals, two standards, and three lesser-known, fairly rare pieces that Coleman did at the time. The program kicks off with Charlie Parker's "Klactoveedsedstene," an on-fire free bopper where Coleman's alto sax in tandem with Cherry reflects a quest for cleanliness and innocent, alive freshness, well transferred, balanced, and reproduced digitally. Whoever tagged this music unlistenable needs to revisit the symbiosis of the front-line horns present. Three of Coleman's all-time immortal compositions on call are the relaxed and easily swung harmolodic dream "The Blessing" accented by Ornette's piquant alto, the call-and-response-laden "When Will the Blues Leave?," and the post-bop evergreen "Ramblin'." The stairstep ascending and descending melody for "Free" also remains arresting, taking no prisoners. It's interesting how alleged rebel Coleman pays reverence to two ballad standards, Roy Eldridge's pensive "I Remember Harlem" and Cherry's trumpet-led "How Deep Is the Ocean?" Closing is the frantic, scattershot two-minute improvisation "Crossroads."
A major fault of this recording is Bley's piano, which is unfortunately so far down in the mix that it is virtually inaudible. One really has to strain, even with headphones, to hear the true depth of Bley's clearly brilliant, probing, but muffled and muted playing. There's no doubt as to the historical and musical significance of this date, and it belongs in the collection of any follower of Coleman, despite the one production flaw.
https://www.allmusic.com/album/complete-live-at-the-hillcrest-club-mw0000584535

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Reseña
por Michael G. Nastos
Los épicos LPs de Ornette Coleman de 1959 The Shape of Jazz to Come y Change of the Century fueron puntos de inflexión en el jazz post-bop moderno y en la música creativa temprana. Esta grabación es un preludio de esas epopeyas, un compromiso en directo de dos noches en octubre de 1958 en el Hillcrest Club de Los Ángeles.
El quinteto de Coleman, con el trompetista Don Cherry, el bajista Charlie Haden y el batería Billy Higgins, además de un entonces joven pianista Paul Bley, establece esa nueva forma de jazz. Este conjunto de ocho selecciones incluye tres originales de Coleman, dos estándares y tres piezas menos conocidas y bastante raras que Coleman hizo en su momento. El programa comienza con "Klactoveedsedstene" de Charlie Parker, una pieza de free bopper en la que el saxo alto de Coleman junto con Cherry refleja una búsqueda de limpieza y frescura inocente y viva, bien transferida, equilibrada y reproducida digitalmente. Quienquiera que haya tachado esta música de inescuchable necesita revisar la simbiosis de los vientos de primera línea presentes. Tres de las composiciones inmortales de Coleman de todos los tiempos son el relajado sueño armolódico "The Blessing" acentuado por el picante alto de Ornette, la llamada y respuesta cargada de "When Will the Blues Leave?", y el evergreen post-bop "Ramblin'". La escalonada melodía ascendente y descendente de "Free" también resulta cautivadora, sin hacer prisioneros. Es interesante cómo el presunto rebelde Coleman rinde reverencia a dos baladas estándar, la pensativa "I Remember Harlem" de Roy Eldridge y "How Deep Is the Ocean?" de Cherry, dirigida por la trompeta. Cierra la frenética y dispersa improvisación de dos minutos "Crossroads".
Un fallo importante de esta grabación es el piano de Bley, que desgraciadamente está tan abajo en la mezcla que es prácticamente inaudible. Hay que esforzarse mucho, incluso con auriculares, para oír la verdadera profundidad de la interpretación de Bley, brillante y profunda, pero apagada y silenciada. No hay duda de la importancia histórica y musical de esta fecha, y debe estar en la colección de cualquier seguidor de Coleman, a pesar del único defecto de producción.
https://www.allmusic.com/album/complete-live-at-the-hillcrest-club-mw0000584535

Ornette Coleman • Free Jazz

 

 

Jackie McLean • New and Old Gospel

 

 

Review
by Thom Jurek  
This 1967 session is notable for the presence of Ornette Coleman in the role of sideman, on trumpet no less. There are only three tunes on New and Old Gospel, one side-long piece by McLean, a four-part suite entitled "Lifeline," and two works by Coleman, including the title track and "Strange As It Seems." As a trumpet player, Coleman understands the psychology of McLean's playing and composing, in that they both come directly from the blues and it haunts everything they do. The other players on the session that make up the rhythm section -- drummer Billy Higgins, pianist Lamont Johnson and Scott Holt on bass -- understand this implicitly. No matter how knotty or abstract things get, they can dance back into the blues pocket and haul it all out again. Not that they have to, because, as is evidenced here, especially in the unbelievably complex intervallic world on "Lifeline," the front-line players know exactly where they are; they intersect across harmony and melody lines throughout and meet on a dime to offer a series of tonally challenging phrases and held notes that put one theme to bed and bring another one into play. The melodic interplay here is just stellar; it follows no convention or structure other than a blues feeling, and yet swings so wonderfully hard. On the title track, the most joyous thing on the disc, Ornette uses a simple rhythmic device that is found in round singing in Pentecostal churches and Johnson takes the ostinato and lets it rip, swinging up and down the aisle, as McLean and Coleman take the front line and move all over the scale (in C) and create a stomping, wailing, roaring work that is all stomping harmonic fury and no slack out excesses. The session ends on a glorious moody note, with McLean playing a melody and Coleman using his trumpet to play counterpoint by juxtaposing a free tempo against the rigid time signature of the bluesy lyric. In the solos both men switch places, and when the turnaround happens it's Holt who signals it and brings everyone home at the same time. This is one legendary Blue Note date that isn't mentioned often enough in that label's great history.
https://www.allmusic.com/album/new-and-old-gospel-mw0000746705

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Reseña
por Thom Jurek  
Esta sesión de 1967 es notable por la presencia de Ornette Coleman en el papel de sideman, nada menos que a la trompeta. Sólo hay tres temas en New and Old Gospel, una pieza lateral de McLean, una suite a cuatro voces titulada "Lifeline", y dos obras de Coleman, incluyendo el tema titular y "Strange As It Seems". Como trompetista, Coleman entiende la psicología de la forma de tocar y componer de McLean, en el sentido de que ambos proceden directamente del blues y éste impregna todo lo que hacen. Los otros músicos de la sesión que componen la sección rítmica -el batería Billy Higgins, el pianista Lamont Johnson y Scott Holt al bajo- lo entienden implícitamente. No importa lo complicadas o abstractas que se pongan las cosas, pueden volver al bolsillo del blues y sacarlo todo de nuevo. No es que tengan que hacerlo, porque, como se evidencia aquí, especialmente en el increíblemente complejo mundo interválico de "Lifeline", los músicos de primera línea saben exactamente dónde están; se cruzan a través de la armonía y las líneas melódicas y se encuentran en un momento para ofrecer una serie de frases tonalmente desafiantes y notas sostenidas que acaban con un tema y ponen otro en juego. La interacción melódica aquí es simplemente estelar; no sigue ninguna convención o estructura que no sea un sentimiento de blues, y sin embargo se balancea tan maravillosamente fuerte. En la canción que da título al disco, la más alegre del disco, Ornette utiliza un sencillo recurso rítmico que se encuentra en los cantos de ronda de las iglesias pentecostales, y Johnson toma el ostinato y lo suelta, balanceándose arriba y abajo por el pasillo, mientras McLean y Coleman toman la primera línea y se mueven por toda la escala (en Do) y crean una obra de pisotones, lamentos y rugidos que es todo furia armónica de pisotones y ningún exceso de flojedad. La sesión termina con una gloriosa nota melancólica, con McLean tocando una melodía y Coleman utilizando su trompeta para hacer contrapunto y yuxtaponiendo un tempo libre contra el rígido compás de la letra bluesera. En los solos ambos hombres cambian de lugar, y cuando se produce el giro es Holt quien lo señala y lleva a todos a casa al mismo tiempo. Esta es una fecha legendaria de Blue Note que no se menciona con suficiente frecuencia en la gran historia de ese sello.
https://www.allmusic.com/album/new-and-old-gospel-mw0000746705

Ornette Coleman • Change of the Century

 

Review by Steve Huey
The second album by Ornette Coleman's legendary quartet featuring Don Cherry, Charlie Haden, and Billy Higgins, Change of the Century is every bit the equal of the monumental The Shape of Jazz to Come, showcasing a group that was growing ever more confident in its revolutionary approach and the chemistry in the bandmembers' interplay. When Coleman concentrates on melody, his main themes are catchier, and when the pieces emphasize group interaction, the improvisation is freer. Two of Coleman's most memorable classic compositions are here in their original forms -- "Ramblin'" has all the swing and swagger of the blues, and "Una Muy Bonita" is oddly disjointed, its theme stopping and starting in totally unexpected places; both secure their themes to stable, pedal-point bass figures. The more outside group improv pieces are frequently just as fascinating; "Free," for example, features a double-tongued line that races up and down in free time before giving way to the ensemble's totally spontaneous inventions. The title cut is a frantic, way-out mélange of cascading lines that nearly trip over themselves, brief stabs of notes in the lead voices, and jarringly angular intervals -- it must have infuriated purists who couldn't even stomach Coleman's catchiest tunes. Coleman was frequently disparaged for not displaying the same mastery of instrumental technique and harmonic vocabulary as his predecessors, but his aesthetic prized feeling and expression above all that anyway. Maybe that's why Change of the Century bursts with such tremendous urgency and exuberance -- Coleman was hitting his stride and finally letting out all the ideas and emotions that had previously been constrained by tradition. That vitality makes it an absolutely essential purchase and, like The Shape of Jazz to Come, some of the most brilliant work of Coleman's career.
https://www.allmusic.com/album/change-of-the-century-mw0000274157

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Reseña de Steve Huey
El segundo álbum del legendario cuarteto de Ornette Coleman con Don Cherry, Charlie Haden y Billy Higgins, Change of the Century está a la altura del monumental The Shape of Jazz por venir, mostrando a un grupo que estaba cada vez más confiado en su enfoque revolucionario y la química en la interacción de los miembros de la banda. Cuando Coleman se concentra en la melodía, sus temas principales son más pegadizos, y cuando las piezas enfatizan la interacción grupal, la improvisación es más libre. Dos de las composiciones clásicas más memorables de Coleman están aquí en sus formas originales: "Ramblin '"tiene todo el swing y la arrogancia del blues, y" Una Muy Bonita " es extrañamente inconexa, su tema se detiene y comienza en lugares totalmente inesperados; ambos aseguran sus temas a figuras estables de bajo con pedal. Las piezas de improvisación grupal más externas suelen ser igualmente fascinantes; "Free", por ejemplo, presenta una línea de doble tono que sube y baja en el tiempo libre antes de dar paso a las invenciones totalmente espontáneas del conjunto. El corte del título es una mezcla frenética y extravagante de líneas en cascada que casi se tropiezan consigo mismas, breves puñaladas de notas en las voces principales e intervalos angulosos discordantes must debe haber enfurecido a los puristas que ni siquiera pudieron soportar las melodías más pegadizas de Coleman. Coleman fue menospreciado con frecuencia por no mostrar el mismo dominio de la técnica instrumental y el vocabulario armónico que sus predecesores, pero su preciado sentimiento y expresión estética por encima de todo eso de todos modos. Tal vez por eso el Cambio de Siglo estalla con tanta urgencia y exuberancia tremendous Coleman estaba pisando fuerte y finalmente soltando todas las ideas y emociones que antes habían sido limitadas por la tradición. Esa vitalidad la convierte en una compra absolutamente esencial y, como The Shape of Jazz por venir, en una de las obras más brillantes de la carrera de Coleman.
https://www.allmusic.com/album/change-of-the-century-mw0000274157

VA • This Is Flying Dutchman 1969-1975

 

 

Editorial Review:
Bob Thiele is one of the great producers. For his work with John Coltrane alone, where he gave free reign to the saxophone great's wildest musical visions including 'A Love Supreme', ignoring the usual cost consciousness of a major label, he deserves to be lauded. In addition to this his 8 years at Impulse saw him recording seminal works by scores of musicians including late blooming masterpieces by Ellington and Hodges, and a whole wave of 'new thing' jazzers such as Archie Shepp and Pharoah Sanders. He didn't stop there and when he launched his own label Flying Dutchman in 1969, he continued to innovate and record music that reflected its times, but that also resonates down through the ages.
 
It is to Flying Dutchman that we are paying tribute in our latest 'This Is' compilation. We of course turn the focus on the label's two main stars. Gil Scott-Heron's recordings for the label ran to three records, which sold well but not spectacularly at the time. They have since taken on a resonance that makes the album "Pieces Of A Man" in particular one of the most important recordings of the last century, and its opening track 'The Revolution Will Not Be Televised' an anthem. Pianist Lonnie Liston Smith had been on Thiele's final important Impulse recording Pharoah Sanders "Karma", and continued to appear on Flying Dutchman first as a sideman and then as a leader. His 1975 album "Expansions" was the perfect encapsulation of his 'Cosmic aware jazz' and the titles track a moment of near perfection which has become one of the foundation pieces of modern dance music.
 
Flying Dutchman's other great discoveries are here. Vocalist Leon Thomas found a new route for jazz vocals in the early 70s, which made him a star and earned him a place in Santana. Gato Barbieri became one of the major saxophone stars of the era, after Thiele enabled him to meld his free jazz leanings to the rhythms of South America. The label also made important recordings with Tom Scott (featured on Thiele's own 'Head Start'), Ornette Coleman and Oliver Nelson, whilst interesting records appeared by Esther Marrow, Harold Alexander and many more.
 
This is Flying Dutchman is a considered tribute to the label, and features in depth and fully illustrated sleeve notes. In the year when Bob Thiele's son is gearing up to release the first new music on the label since 1976, it is an apt & timely reminder of the power of the music.
https://acerecords.co.uk/this-is-flying-dutchman-1969-1975

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Reseña editorial:
Bob Thiele es uno de los grandes productores. Sólo por su trabajo con John Coltrane, en el que dio rienda suelta a las visiones musicales más salvajes del gran saxofonista, como "A Love Supreme", ignorando la habitual conciencia de costes de las grandes discográficas, merece ser alabado. Además, sus 8 años en Impulse le permitieron grabar obras seminales de decenas de músicos, incluidas obras maestras de Ellington y Hodges, y toda una oleada de jazzistas "novedosos" como Archie Shepp y Pharoah Sanders. No se detuvo ahí y cuando lanzó su propio sello Flying Dutchman en 1969, continuó innovando y grabando música que reflejaba su época, pero que también resonaba a través de los tiempos.
 
Es a Flying Dutchman a quien rendimos homenaje en nuestro último recopilatorio "This Is". Por supuesto, nos centramos en las dos principales estrellas del sello. Gil Scott-Heron grabó tres discos para el sello, que se vendieron bien pero no de forma espectacular en su momento. Desde entonces han adquirido una resonancia que hace del álbum "Pieces Of A Man" en particular una de las grabaciones más importantes del siglo pasado, y de su tema de apertura 'The Revolution Will Not Be Televised' un himno. El pianista Lonnie Liston Smith había participado en la última grabación importante de Thiele para Impulse, Pharoah Sanders "Karma", y siguió apareciendo en Flying Dutchman primero como músico de acompañamiento y luego como líder. Su álbum de 1975 "Expansions" fue la encapsulación perfecta de su "Cosmic aware jazz" y la canción del título un momento de casi perfección que se ha convertido en una de las piezas fundamentales de la música de baile moderna.
 
Los otros grandes descubrimientos de Flying Dutchman están aquí. El vocalista Leon Thomas encontró una nueva vía para las voces de jazz a principios de los 70, lo que le convirtió en una estrella y le valió un puesto en Santana. Gato Barbieri se convirtió en una de las principales estrellas del saxofón de la época, después de que Thiele le permitiera fusionar sus inclinaciones por el free jazz con los ritmos de Sudamérica. El sello también realizó importantes grabaciones con Tom Scott (que aparece en "Head Start" del propio Thiele), Ornette Coleman y Oliver Nelson, mientras que aparecieron interesantes discos de Esther Marrow, Harold Alexander y muchos más.
 
This is Flying Dutchman es un considerado tributo al sello, y cuenta con notas en la carátula detalladas y completamente ilustradas. En el año en que el hijo de Bob Thiele se prepara para publicar la primera música nueva del sello desde 1976, es un oportuno recordatorio del poder de la música.
https://acerecords.co.uk/this-is-flying-dutchman-1969-1975


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Ornette Coleman • Chappaqua Suite

 

Review
by Thom Jurek  
This four-part suite is actually a film soundtrack to the debut feature by Conrad Rooks, though it was never used as such. Recorded in 1965, it was performed by the Ornette Coleman Trio with Charles Moffett on drums and David Izenson on bass; augmenting the session were Pharoah Sanders on tenor and a large studio orchestra arranged by Joseph Tekula. What is most notable is the kind of control Coleman has over the orchestra. His trio is playing by intuition, which was normal for them, but they open to accommodate the more formal constructs of a band who knows little about improvisation and how it works in the free jazz context. Sanders' interaction with Coleman is startling too, in that his normally overpowering voice is tempered here, playing along with the nuances and odd harmonic figures Coleman suggests and then blatantly states from his alto. The improvisation is complementary, not a cutting contest at all. Most of all, the rhythm section carries the balance of power and keeps the entire thing moving, handling the dynamic changes with a feral grace while at the same time suggesting a knottier path for Coleman to follow in the tempting pastoral sections of the work. While not considered a masterwork of Coleman's, perhaps because of its unavailability in the United States in its entirety, Chappaqua Suite is a testament to Coleman's vision as a composer and the power of his orchestral direction. Very worthwhile indeed.
https://www.allmusic.com/album/chappaqua-suite-mw0000596834

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Reseña
por Thom Jurek  
Esta suite en cuatro partes es en realidad la banda sonora de la ópera prima de Conrad Rooks, aunque nunca se utilizó como tal. Grabada en 1965, fue interpretada por el Ornette Coleman Trio con Charles Moffett a la batería y David Izenson al bajo; además de Pharoah Sanders al tenor y una gran orquesta de estudio arreglada por Joseph Tekula. Lo más notable es el tipo de control que Coleman tiene sobre la orquesta. Su trío está tocando por intuición, lo que era normal en ellos, pero se abren para acomodarse a las construcciones más formales de una banda que sabe poco de improvisación y de cómo funciona en el contexto del free jazz. La interacción de Sanders con Coleman también es sorprendente, en el sentido de que su voz, normalmente avasalladora, se atempera aquí, jugando con los matices y las extrañas figuras armónicas que Coleman sugiere y luego declara descaradamente desde su contralto. La improvisación es complementaria, no se trata en absoluto de una competición de cortes. Sobre todo, la sección rítmica lleva el equilibrio de poder y mantiene todo el asunto en movimiento, manejando los cambios dinámicos con una gracia feroz y, al mismo tiempo, sugiriendo un camino más complicado para que Coleman lo siga en las tentadoras secciones pastorales de la obra. Aunque no se considere una obra maestra de Coleman, quizá debido a su falta de disponibilidad en Estados Unidos en su totalidad, Chappaqua Suite es un testimonio de la visión de Coleman como compositor y del poder de su dirección orquestal. Merece mucho la pena.
https://www.allmusic.com/album/chappaqua-suite-mw0000596834

VA • Jazz & All That Stuff

 

John Coltrane, Charles Mingus, Ornette Coleman, Joshua Redman, Rahsaan Roland Kirk, Larry Goldings, Keith Jarrett, Modern Jazz Quartet, Kenny Garrett, Yusef Lateef, Billy Cobham, Chick Corea, Art Blakey …

Ornette Coleman Trio • At The Golden Circle Vol. 1

 

www.ornettecoleman.com ...